Je suis rarement séduit par la qualité et l’utilité des applications proposées pour l’iPad. Déjà, contrairement à la majorité, je n’aime pas jouer, ce qui me « coupe » d’une bonne moitié de l’offre de l’AppStore. Ensuite, Apple (et ses moults concurrents) veulent - parfois - nous vendre des services qui ailleurs sont gratuits. Il m’arrive cependant d’utiliser les loyaux services d’AppGratuites (qui propose, chaque jour, gratuitement, une application normalement payante) et de tester tout et n’importe quoi. Histoire de voire et de faire une sorte de veille. Après tout, c’est aussi mon métier de « créer » pour de l’applicatif. L’autre jour, j’ai téléchargéFirePaint et bien m’en a pris (pour une fois). Cette application a été développée parBarn Star Studios. Spécialisés dans la conception, le développement et la conception musicale depuis 11 ans, Barn Star Studios est basé au Canada. FirePaint est une application de dessin bitmap qui permet de dessiner à partir de motifs prédéfinis évoquant le Feu, la Glace, l’Espace… Etc. L’intérêt reste limité mais les sensations sont intéressantes puisque l’on peut régler le pas, les couleurs, les transitions (une vingtaine d’outils proposée au final)… Le dessin via du tactile redonne du sens au geste et on passera de bons moments à s’imaginer artiste même si le résultat est forcément lié aux « brushs » proposés. D’ailleurs, je pense bientôt utiliser l’application pour de la création de motifs pour du logo web 2.0… Avec, cependant, une incontournable étape de vectorisation. Pour 0,79 Euros vous êtes sûrs de passer de bons moments créatifs (bien sûr, le visuel qui illustre ce post a été réalisé sur FirePaint par votre serviteur). A vos tablettes !
Ici, il n'est plus question de musique mais bien d'art brut sonore.
Je n'ai pas abordé le domaine musical depuis un bon moment. Il faut bien avouer que le cœur n'y était plus depuis que le Web nous offre à peu près tout et n’importe quoi et ce quasiment gratuitement. Du coup, nos références secrètes, nos amours interdits, nos goûts déviants sont devenus la norme et chacun y va de son conseil undeground ou de son téléchargement collector. La diffusion, en masse, de la grande poubelle culturelle rend l'entreprise beaucoup moins drôle. Récemment j'ai, par exemple, chargé l'intégrale de chez intégrale du roi du easy-listening mexicain,Juan Garcia Esquivel. Avec deux live inclus, dont je ne connaissais pas l'existence ! Mon intérêt pour l 'outsider-music (et surtout les visuels qui vont bien) est donc un peu retombé. Jusqu’à cette rencontre récente. Je veux parler bien sûr du blog bien nommé : « The World's Worst Records ». Ah quel bonheur de découvrir ou redécouvrir tous ces illustres inconnus qui se sont imaginés, le temps d'une autoproduction, au sommet des charts. Certains artistes abordés dans ce blog ne sont pas de complets inconnus. Eilert Pilarm, Elvis impersonator suédois, m'a redonné le sourire. Je connaissais déjà l’engin et son côté Chef Suédois évadé du Muppet Show m'a toujours fait rigoler. La pochette de son greatest hits est un vrai bonheur graphique. J'y aussi croisé, aussi, une autre connaissance (presque un archétype) Florence Foster Jenkins, cantatrice au chant ultra-faux et à la voix de crécelle, qui vendait elle-même les places pour ses concerts. Histoire d'avoir son public dans la poche ! Un disque magnifique sorti chez RCA (il me semble) est disponible pour les courageux ou tous ceux qui n'ont même pas peur… On s'abonnera donc à ce blog et on ne manquera pas d'explorer ses archives ! Fun et rigolade assurés. Bien sûr, en bonus la vidéo qui va bien !
Leo Timmers est un illustrateur qui est né et travaille en Belgique. Il s'est d'abord limité à l'illustration. Puis, de fil en aiguille, il a lui-même commencé à écrire. Bien lui en a pris puisqu'en 2005, il a remporté l'Annual Chidren's et Youth Jury Awards avec" Just in time" (co-écrit avec avec Bart Demyttenaere) puis re-belotte en 2006 avec "Supermouse" et en 2007 avec "Who is driving ?". Sa renommée a fait le tour du monde, puisqu'il a été publié partout en Europe, aux Usa, Canada, Australie, Nouvelle Zélande … Etc. Il a également publié dans diverses revues et oeuvré pour la publicité. Son style, très affirmé, a de petites effluves rétro. On sent que Leo va parfois "taper" dans un style d'illustration qui ont fait les beaux jours de l'édition américaine pour enfant des années 60. Pour autant, son travail ne s'inscrit pas dans un style proche du pastiche ou de la parodie. Loin de là ! Des couleurs vives, des expressions "outrées" à la limite de la caricature donnent un petit vent de folie à un bestiaire où l'on croise moult éléphants, requins et autres corbeaux. A lire iciet à découvrir. On pourra également lire un postque j'ai publié, il y a deux ans (une petite piqûre de rappel s'imposait) ! En bonus, une petite vidéo en flamand (j'imagine?), histoire de s'immerger dans l'univers au combien personnel de cet illustrateur de talent…
C'est la lutte finale, groupons-nous, et demain, l’Internationale sera le genre humain !
On connaît surtout Diego Rivera du fait de son mariage avec la très branchée Frida Kahlo. Cette facette de son existence a un peu occulté son engament, au Mexique, dans la IVe internationale et ses liens d’amitiés avec Trotski(juste avant sons assassinat). On notera également ses années « d’initiation » à Paris, son portrait réalisé par Modigliani et les nombreux enfants illégitimes qui ont peuplé ses tumultueuses aventures amoureuses. Reste son œuvre faite de gigantesques fresques murales, d’une conscience politique évidente, d’une modernité encrée dans la tradition picturale mexicaine. Déjà, Diego Riviera avait eu les honneurs d’une rétrospective au prestigieux MoMA (en 1931) en voici une deuxième qui s’achèvera en mai prochain. Comme en 1931, on y découvre ses « murals » les plus connus (et surtout ceux démontables) mais aussi ses travaux préparatoires et autres esquisses. Le tout étant centré sur sa période « new yorkaise » (confer la très précieuse carte de ses réalisations made in the big apple proposée par le MoMA). Je ne suis pas spécialement sensible au trait de Diego Rivera mais j’admire le rapport qu’il a su établir entre la représentation, l’engagement politique et le support. Surtout le support. Rivera s’est manifestement inspiré de son passage en Italie pour peindre en grand mais le fait de choisir « le mur » (un peu comme un graffeur) illustre parfaitement son orientation politique. Un rapport fond/forme qui lui permet de sortir des galeries et parler directement aux « gens ». Rajoutons par dessus une petite couche de communisme romantico-utopique et nous avons là un vrai projet artistique. Quelque part entre Gauguin et Fernand Léger. Il ne manque plus que la lithographie et le support papier pour que l’on puisse parler de communication politique. Tous à New-York pour échapper à la grisaille ambiante et découvrir l’œuvre de ce peintre finalement très « pop ». A défaut, le site dédié est ultra-sympatoch' et donnera une bonne idée de son travail et de sa démarche. A visiter, à explorer, à bookmarker ! En bonus, la vidéo qui va bien.
Pour parfaire sa culture visuelle et son goût pour l'affiche avec un grand A !
L’invention de la lithographieen 1796 par Aloys Senefelder a permis l’avènement de l’offset et une reconnaissance formelle de notre métier. Le développement du média affiche qui s’en suivi fût particulièrement riche et passionnant. De Toulouse Lautrec à l’Art Nouveau, du Constructivisme à l’Art Déco. La France occupa une place toute particulière dans le développement de ce media traditionnellement décrit comme « événementiel ». Que ce soit par le biais de fameux affichistes (Villemot, Savignac…) ou que ce soit via divers mouvements artistiques. Quoi qu’il en soit l’art de l’affiche est particulièrement riche et intéressant, une vraie inspiration visuelle pur les plasticiens que nous sommes ! L’International Poster Gallery, localisée à Boston, est particulièrement précieuse. Elle organise de nombreuses expositions autour du thème et s’appuie, sans doute, sur la plus grande collection privée d’affiches (provenant de tous les pays et de tous les mouvements). Bien sûr, il s’agit d’une initiative purement commerciale (on peut tout acheter) mais les supports et documentation qui l’accompagnent sont précieux. Comme le site web qui permet de passer en revue l’ensemble des mouvements artistiques et d’y associer une grosse quantité de visuels. Et ce gratuitement. Seule limitation, la taille de visuels affichés (pour ne pas faire « sauter » la protection et les copyrights). J’y ai même trouvé une rubrique « style typographique international » avec quelques pépites vendues au prix de l’or… A explorer !
Un peu d’inspiration alors qu’il fait froid et qu’il pleut !
Les vacances de fin d’année approchent (du moins je l’espère pour vous). Une période propice à la méditation et à la culture graphique. Une période propice à la découverte et à la lecture du blogBoooommm (j’ai du oublier un ou deux o au passage). Ce blog a été initié par Jeff Hamada, un artiste de Vancouver. Avec ses 3 millions de pages visitées par mois, ce blog semble s’imposer comme une des références en la matière. On y trouve bien sûr de l’art, mais aussi du design, du cinéma, de la photo… Etc. le tout sous forme de post la plupart du temps visuel accompagnés de textes courts. On y croise, bien sûr, de vieilles connaissances : Bansky, Alex Trochut… Etc. ça sent bon la branchouille et le grand fourre-tout créatif. Plutôt réjouissant et « inspirationnel ». Boum, quand notre cœur fait boooommm ! En bonus, un p'tit court (très buzz en ligne) pour la marque de pompe Native et réalisé par le dit Jeff Hamada ! C'est assez drôle et créatif...
Picasso était un génie. Il a produit, produit et encore produit une œuvre d’une telle richesse que je suis à peu prêt sûr d’y trouver (aussi) du design graphique. Picasso était un génie et les génies, parfois, sont un peu ch… du fait de leur trop plein d’intelligence. Et Dieu sait que Picasso était intelligent. Finalement, ce que j’aime chez Picasso, c’est ni son génie, ni son œuvre mais bien le personnage Picasso : multiple, évoluant, rusé, intelligent… etc. C’est donc avec une certaine émotion que je suis tombé sur cette série de photos datant de 1949 (et publié dans LIFE) dans le blog Retronaut. On y voit mon gars Pablo peignant avec la lumière et initiant sans le savoir le light painting devenu célèbre quelques décennies plus tard. Retronaut est un blog purement visuel qui publie par thématiques et par années. On y trouve de tout et de n’importe quoi qui se mélangent en un gigantesque melting pot des plus jouissifs. On pourra également faire des recherches par thématiques génériques (musique, objet... Etc.). Dans cette série, c’est Pablo lui-même qui devient œuvre d’art et son geste immortel. Même avec de la lumière, on reconnaît son trait et son approche visuelle. C’est dire si Picasso est un génie et que les génies sont parfois… A méditer !
David Bowie est un génie. Il a produit, produit et encore produit une œuvre d’une telle richesse que je suis à peu prêt sûr d’y trouver aussi du design graphique. Bowie est un génie et les génies, parfois, sont un peu ch… du fait de leur trop plein d’intelligence. Et Dieu sait que David Bowie est intelligent. Finalement, ce que j’aime chez Bowie, c’est ni son génie, ni son œuvre mais ce qu’en font les autres. En surfant (encore) sur Retronaut, j’ai trouvé la reproductiond’un livre pour enfant richement illustré par Andrew Kolb. Andrew est un illustrateur canadien de première bourre. Il s’agit, ici, de l’adaptation deSpace Odditypour nos chères têtes blondes. Ici, le visuel s’est libéré de l'approche glamoriginelle et la fraîcheur des visuels (façon sixties flamboyant) redonne un sens inédit à ce classique du rock and roll. C’est beau et c’est visuel… Et finalement Bowie peut s’avérer nettement moins embêtant ! A lire et à parcourir. En bonus, la vidéo qui va bien !
Allez, pour une fois, on va parler de la concurrence !
Pour une fois je ne commencerai pas mon post par le fameux : « Je ne connaissais pas… » qui a fait le tour de la blogosphère. En vérité, je connaissais Ben Barrypour être, comme vous, un fervent utilisateur de Facebook. Ben est né dans l’Oklahoma, a grandi à Austin (Texas) et travaille aujourd’hui chez Facebook. Où il est employé à développé l’identité visuelle du géant des réseaux sociaux. A voir son portfolio et ses références on a franchement l’impression qu’il est sous-employé. On notera également dans son parcours qu’il est un disciple de John Bielenberg et de son programme de formation en design : le projet M. Le projet M, à travers la quasi absence de moyens, a pour ambition de changer le Monde grâce au Design. L’idée est de mobiliser cette population volatile et souvent «ego-centrée » autour de vrais problèmes qui font pleureur. Si tous les graphistes se donnaient la main et bah… il n’y aurait plus personne pour produire avec la souris. Ce qui est intéressant dans le travail de Barry, c’est la cohabitation d'un certain esprit underground avec de purs travaux de commande. Le tout sans sourcilier et sans se poser de question. A l'américaine quoi ! Son travail dans le domaine de l'affiche sérigraphiée est absolument remarquable tant au niveau de la forme que du fond. On notera aussi que d’après sa présentation en ligne, il définie son travail comme « simple graphiquement avec une palette de couleurs vives et limitées ». C’est cette simplicité qui me parle comme les multiples emprunts qu'il fait à diverses grandes heures du graphisme américain. Façon Facebook, son design est simple et limpide. Un peu standardisé aussi malgré un souci d'épure et de parfait rendu visuel. Un graphiste bien dans son époque numérique. Un graphiste sur lequel il faudra compter dans avenir plus ou moins proche tant l’époque colle au personnage. A découvrir !
La découverte d’un artiste « outsider » et « spontané » est toujours, pour moi une vraie émotion et un vrai espoir. L’homme a besoin d’art, quelque soit l’époque et le contexte !
Jean-Pierre MEULEAU habite à Paris et ne donne aucune information quant à son parcours et son background. Je l’ai croisé dans une salle d’attente (celle de mon shrink). Son œuvre, pas lui ! Et ce qui m’a intéressé, c’est cette volonté de retrouver le rendu classique de la peinture (à l’huile plutôt) en utilisant un outil aussi impersonnel qu’Adobe Photoshop. Clairement, dans l’atelier de Jean-Pierre, il n’y a pas d’odeurs de solvants, ni de tâches de peinture. Sans vraiment dévoiler ses secrets de fabrication, on peut imaginer qu’il y a de la vectorisation et d’infinis échanges entre Adobe Illustrator et Photoshop. Pour un résultat plaisant, souvent original, même si on imagine Jean-Pierre plus intéressé par la technique que par le message. Le"wording" passe-partout de chacune de ses galeries en témoigne : « Abstractions, Paris Duo, Transparences et Reflets… Etc. ». Autre limite, le rendu final, trop neutre et encore une fois trop « plat ». Le numérique exclue la matière. Quoi qu’il en soit, saluons le travail de Jean-Pierre MEULEAU qui à la façon duDouanier Rousseau, s’invente peintre et nous livre une œuvre typiquement Art brut numérique. J’aimerai suivre son évolution dans le temps… Elle est, à mon humble avis, pleine de promesses et d’images de plus en plus originales, loin d’un mimétisme souvent encombrant. Car, si Photoshop ne sert qu’à reproduire des effets de pinceaux, pourquoi ne pas directement utiliser les dits pinceaux. Mais ne gâchons pas notre plaisir. Et je vous invite à explorer ici-même l’artiste. Bien sûr, le visuel qui illustre ce post est extrait de sa galerie « abstractions ». A découvrir…
Damned ! J’en parlais il y a 3 ans… J’en reparle aujourd’hui !
Longtemps, j’ai été un grand fan de Serge Clerc. Serge Clerc, surnommé le Dessinateur Espion, fait partie de cette génération d’auteurs apparus avec Métal Hurlant et un certain renouveau de la bande dessinée. Avant Métal, il y avait la BD adulte et la BD enfant. Les Serge Clerc, Denis Sire, Chaland, Swarte… Etc. abordaient sous-couvert du pastiche les racines de la culture rock et populaire.Ils ont décomplexé une génération de dessinateurs qui n’avait plus peur de parler de ce qu’ils étaient ou de ce qui les animait. D’un certain formalisme en noir et blanc bourré de références rock (Cramps, Clash and co), Serge Clerc s’est orienté de plus en plus vers une sorte d’abstraction, les pieds dans les années 40/50, la tête dans certains courants d’art décoratif. Au final, son travail s’est éloigné de la BD et sensiblement rapproché de l’illustration d’une façon générale (presse, bd… Etc). Et puis un jour, alors que j‘avais l’habitude de suivre les aventures de ses personnages à la carrure triangulaire, le jeune prodige a disparu. Lassitude ? Désir de rayonner à l’international ? Ou juste ras le bol... J’ai moi-même abandonné mon goût pour une certaine forme de BD que je croise parfois au rayon roman graphique de la Fnac. Et je dois dire que d’une façon générale, je me suis un peu fâché avec tous les supports qui répètent sans fin les mêmes scénarios. Bref, aujourd’hui, c’est avec joie que je découvre le blog « les Mémoires de l’espion ». Si ce blog n’est pas officiel, il reste cependant autorisé et nous permet de suivre les nouvelles aventures de notre Serge national. On y trouve du vieux, du très vieux et de l’actuel ! Que du bonheur pour le fan que je suis ! J’essaie de retrouver ma dédicace de l’Espion et je la publie un de ces quatre ! En bonus, la vidéo qui va bien !
J’ai déjà beaucoup parlé (ici-même,là et là) de la délicieuse critique et artiste Isabelle de Maison Rouge. Auteur (auteuse ?) de nombreux ouvrages que l’on trouvera ici-même, elle sait partager sa passion pour l’art contemporain et ses nombreux héros. Ses ouvrages de vulgarisation sont toujours intéressants et l'on en sort toujours avec la furieuse impression d’avoir un peu « grandi » dans sa compréhension de l’art. Bref, Isabelle nous rend un plus intelligent. De là à créer un support avec une périodicité pour développer une apporche plus pointue, il n’y avait qu’un pas. Pas qu’Isabelle a franchi avec allégresse en créant art & (doit on dire art et ? ou art esperluette ? Non, je rigole, humour de graphiste). art & est un magazine en ligne, gratuit qui a pour vocation (d’après l’éditorial d'Isabelle - c'est elle la rédactrice en chef) : « d’ouvrir l’art contemporain à des champs et pistes de réflexion les plus vastes et le faire dialogue avec d’autres disciplines ». Ah, elle sait me parler, moi qui croit, façon Bauhaus, à un rapprochement entre l’art (avec un grand A) et les arts appliqués. Dans ce premier numéro, on découvrira une carte blanche à ORLAN, Boltanski (je suis trop fan !) et le Hasard, Yann Toma… Etc. Que du bon et la promesse (pour un néophyte de mon espèce) de passionnantes découvertes. Merci à Isabelle d’être à l’origine d’une très belle initiative gratuite et de qualité. On appréciera aussi la qualité de la mise en pages. Claire, aérée et haut de gamme. Seul bémol (pardon Isabelle) l’apparente faiblesse graphique de la têtière qui manque singulièrement de personnalité (à mon goût, bien sûr). Un micro-détail dans un ensemble d’une telle qualité. Je vous invite donc à lire art & et à le diffuser auprès de votre réseau. Une bonne adresse, ça se partage ! A lire et à suivre…
Toute sa vie, ce designer Suisse a « jeté » des ponts entre design graphique et art (avec un grand A). Passant de l’un à l’autre pendant une carrière qui fût longue et riche en expériences graphiques et visuelles. A n’en pas douter, Max Huber était un esprit « libre ». La qualité de son travail reste exceptionnelle.
Max Huber est un designer d’origine suisse né à Baar en 1919. Il est diplômé de laKunstgewerbeschulede Zurich et débute en 1935 dans une première agence puis pour Conzett&Huber. Pendant la guerre, pour éviter d’être mobilisé, il s’installe à Milan où il rejoint le Studio Boggeri. Quand finalement l’Italie entre dans le conflit mondial, en 1941, il retourne en Suisse où avec Werner Bischof et Emil Schultness, il travaille pour le magazine d’art « Du ». Il rejoint le groupe Allianz et en 1942 et expose pour le première fois son travail. A la fin de la guerre, il retourne en Italie où il devient le d.a. des éditons Einaudi. Cette nouvelle aventure graphique lui permet de rentrer en contact avec toute l’intelligentsia italienne de l’après-guerre. Il travaille ensuite pour la Triennale de Milan, design des pochettes de disque de jazz (dont il est un grand amateur – il deviendra ami avec Louis Armstrong) et créée l’identité graphique de la chaine de magasinsLa Rinascente. Il travaille également pour la RAI, Eni et Montecani. En 1954, il reçoit le Compasso d’Oro et intervient au premier Séminaire International de la Typographie aux USA. En 1965, il expose à Tokyo à la Matsuya Design Gallery. L’occasion pour lui de rencontrer sa future femme, l’illustratrice nipponne Aoi Kono. Dans les années qui suivent, il alterne commandes commerciales, expérimentations artistiques et enseignement. Il meut à Sagno en 1992. Phaidon lui consacre un ouvrage très complet (que l’on peut acheter ici) et résume son travail de cette façon : « Combinant la peinture et la photographie avec d'autres médias graphiques il est toujours resté d'avant-garde au cours de sa carrière. Le travail graphique d'Huber est brillant, pointu, toujours étonnant et très efficace… son travail est du reste toujours d’une grande actualité ». Il existe un musée Max Huber qui se trouve à Chiasso en Suisse. Ouvert en 2005 par sa femme, il a pour vocation de faire (re) découvrir le travail de ce génie du design et de créer des ponts entre les jeunes designers et les artistes du Future à travers une série d’expositions… Sans doute à visiter, lors de nos prochaines vacances en Suisse. En attendant on ira, ici, ici, ici etlà pour s’imprégner du travail de Max Huber, étonnamment moderne et inspiré. Définitivement à découvrir !
De retour de leur tournée américaine dans le Vermont, nos amis et "poulains" Neon Campfire seront en concert, à Paris, le Vendredi 30 Septembre prochain au 25 degrés Est, 10 Place de la Bataille, Stalingrad, Paris 19e. Ils en profiteront pour enregistrer un live bientôt disponible à l'achat et à l'écoute. Une bonne occasion d'immortaliser vos cris de fans et vos applaudissements. Venez en force soutenir le meilleur groupe de folk punk dans le monde de l'univers entier !
Mathilde Nivet est une illustratrice née à Bourges en 1983. Diplômée de l'Ecole Supérieure des Arts Appliqués Duperré, elle est basée à Paris. Représentée par l’agence Illsutrissimo, elle utilise comme « matière première »… Le Papier. Avec beaucoup de talent, de finesse et de minutie, elle plie, découpe et met en scène… Le résultat est surprenant de fraîcheur et d’originalité. D’après le site Web-culture à qui elle a donné une interview en 2010 : « C’est avec une grande patience et beaucoup de finesse que Mathilde Nivet, découpe, taille des morceaux de papiers. La maitrise des techniques de pliage lui permet d’illustrer avec justesse des univers tels que la bijouterie, la devanture de vitrines, et bien d’autre encore. » La dite interview que l’on devra lire ici-même pose une question essentielle quand on est dans la création visuelle : « Comment laisser une trace ? ». Dans le cas de Mathilde, paradoxalement, un début de réponse passe par l’éphémère car de son propre aveux : « Le plus souvent, mes projets ne sont pas destinés à être conservés longtemps. Les décors sont crées pour une soirée ou pour quelques mois lorsqu’il s’agit de vitrines. Généralement, ils sont ensuite détruits ou morcelés. ». Il ya donc quelque chose de profondément zen dans son approche. On y retrouve d’ailleurs des traces d’Origami, soit l’art du pliage japonais importé dans le pays par des moines bouddhistes d'origine chinoise. Mathilde Nivet est une « paper designer » et d’après le blog The Trandy Girl « Tout ce que Mathilde Nivet touche de ses dix doigts se transforme en sculpture de papier. » Sur le papier, elle sait y faire ! En bonus, le trailer d’une appli iPhone spécialisée dans les tendances du Paper Art…
Ces photos de police prisent dans les années 20 sont criantes d'humanité !
J’ai toujours eu une passion quasi-coupable pour les pionniers de la photographie. Je ne parle pas des faiseurs d’images « sympatoches » façonDoisneau(qui n’a en fait rien d’un pionnier) mais bien des témoins de leur temps, appareils en main. Il y a de la Vie (de la vraie) dans les décors désertés d'Atget et dans le Paris (canaille) de Brassaï… De l’authenticité oserai-je dire, même si Brassaï était un artiste avant d’être un photographe. Toutes nos grandes institutions (style Musée d'Orsay) s’intéressent depuis quelques années à ce qui fût pendant longtemps un parent pauvre, une lubie de quasi-geeks (ah, l’évolution des technologies). Du coup, toutes les photographies sont rentrées au musée et se sont achetés un vernis culturel. La photographie est finalement un art. The Historic Houses Trust est un des plus grands musée australien. Il a pour particularité d’investir divers lieux d’où son nom. Il y a peu, cette valeureuse institution a exposé un certain nombre de clichés via le musée de la Justice et de la police de Sydney. Cette collection de portrait a été prise dans les années 20 et catalogue les pires truands de l’époque. En effet, chacun de ces clichés était accompagné d’une notice donnant moult détails sur ces criminels et leurs crimes. Ce qui rend l’ensemble plutôt étonnant, c’est la qualité des clichés… Bien éclairés et hyper définis. Du coup, ces « tronches » sont criantes de vérité et constituent un ensemble hyper cohérent qui nous entraine dans un passé finalement pas si éloigné. On pourrait presque y reconnaître un voisin ou un lointain parent - si ce n’est le style vestimentaire qui lui ne trompe pas. Exactement le type de photographie qui me parle tant au niveau de son esthétique que par son sens !Cette galerie est disponible sur le blog Twisted Sifter spécialisé dans ce qui est un peu différent et amusant…
Jean Laulhé est né en 1945 au pays basque. Ce photographe, plus connu sous le nom de Tony Frank, a été un des « piliers » de Salut Les Copains, puis Hit Magazine. A ce titre, il a photographié tous les yéyés, rockers et autres pop stars de France et d’ailleurs. Avec une prédilection pour notre Johnny H. et bien sûr pour Sergio qu’il a longtemps suivi et dont les clichés agrémentent bon nombre d’albums du « dieu » français enfin reconnu mondialement (ou presque). A noter, aussi, la fameuse affiche de 1972 où Michel Polnareff nous montrait ses fesses et qui fit (je m’en souviens encore) dans la France de Pompidou un scandale sans précédent. En 1983, Tony Travaille pour Sygma, en 1995 pour O.Médias. Depuis 2000, Tony est indépendant. Ce qui rend son travail intéressant, c’est la juxtaposition d’un regard de fan invétéré (ah que Johnny) et l’œil d’un photographe qui essaie de « coller » au goût de l’époque. L’œuvre de Tony Frank ne s’appuie pas sur une vision déclinée à l’infini mais sur une multitude d’approches typiques d'époques différentes, formant un kaléidoscope visuel riche, poignant et souvent kitsch. On y rencontre nos « héros » au sommet de leur art dans des images devenues des « classiques » (Bob Dylan, les Who… etc.) mais aussi de complaisantes visions de Sylvie Vartan, Il Était Une Fois ou Claude François. Bref, la France de Guy Lux se cherchant une reconnaissance visuelle. On n’hésitera donc pas à se procurer son « Serge Gainsbourg » mais surtout «Le Temps des Copains » (apparment épuisé) qui illustre parfaitement cette diversité (très belles images de Bashung époque « Play Blessures »). L’image qui illustre ce post a été réalisée par le maestro. Elle date de 1968 à Monthlery et représente Christophe, notre Beau Bizarre préféré. En bonus le clip qui va bien !
Je ne connaissais pas Marian Bantjles. J’ai découvert (avec un certain émerveillement) son travail grâce à la TED Conference. TED, j’en ai déjà parlé moult fois (tapez "TED" dans le moteur en haut à droite). Il y a deux façons d’aborder ce « think tank » virtuel. Soit par la forme : des speakers brillantissimes qui savent faire rire et réfléchir. Soit - bien sûr - par le fond, des concepts, des idées… Des expériences. Au hasard, je suis tombé sur « 3 choses que j’ai appris alors que mon avion s’écrasait » que je vous conseille fortement, pour sa dimension humaine et universelle (par Ric Alias). Bref, tous ceux qui comptent viennent « partager » et c’et tout simplement formidable ! Si on m’invite, j’y courre (ceci dit peut-être faudrait-il que je propose quelque chose ?). Marian, donc, est une graphiste canadienne (basée près de Vancouver). Apparemment, elle travaille avec des clients locaux et internationaux (« par la magie du Web »). Elle commence sa présentation en expliquant que, longtemps, elle a travaillé de façon « commerciale » et que depuis peu, elle a « rennoncé ». S’orientant définitivement vers ce qui doit être fait (plutôt que de suivre la demande du client). Sur son site, elle précise qu‘elle « ne designera pas votre logo ou votre carte de visite, mais plutôt votre tatouage ». Passionnée par le travail artisanal, elle est une obsédée du vectoriel, repoussant la limite du motif dans ses derniers retranchements. Son travail est avant tout une suite de « projets » plutôt qu’une longue chaine de production. On trouve d’ailleurs une certaine similitude entre son approche et celle de Stefan Sagmeister. Normal, Stefan fait partie de ses clients. Dans les 2 cas, on évolue dans des sphères proches de l’art contemporain. Dans son cas particulier, il y a, en plus, une petite touche années 30 du meilleur effet. Marian fait partie de l’AGI (Alliance Graphique Internationale) et elle a pour client : Saks Fifth Avenue, Penguin Books, The Guardian, Stefan Sagmeister (bien sûr), Y&R Chicago, Print Magazine… Etc. Vous pouvez découvrir son approche sur son site ou plus simplement écouter son intervention à la TED conference (Intricate beauty by design). En plus, son look un brin gothique n’est pas pour me déplaire… Cheers !
Je milite activement, depuis quelques mois, pour la reconnaissance d’Alex Steinweiss. À coup de posts et de liens postés sur Facebook. Il y a peu, je suis tombé sur ce PowerPoint - assez moche, je vous le concède - mais qui est un brillant résumé de son travail et de sa démarche. On pourra (aussi et toujours) acheter le magnifique ouvrage qui lui est consacré (au format 33 tours, bien sûr) chez Taschen. On s’arrête 4,20 minutes et on suit la prez’ du gentil monsieur !
Barbara Krugerest une artiste conceptuelle américaine née en 1945. Son travail s’articule systémiquement entre des prises de vue en noir et blanc, une chromie évoquant le constructivisme (noir, rouge et banc) et de la typographie néo-suisse (Futura bold oblique et Helvetica ultra-condensé). Ses messages décalés sont une critique du monde des médias et de notre société économique déshumanisée. Son travail parle aussi de notre rapport à l'intime... Notons au passage qu’elle a étudié à laParsons School Of Design (de New York) ce qui explique sans doute son approche « infographique » et qu’elle a travaillé comme graphiste pour plusieurs magazines. Je connaissais les visuels sans mettre un nom dessus. J’ai donc enfin pu nommer une œuvre riche et engagée. Une approche qui parlera aux graphistes que nous sommes !
Sur une idée de Fred. F, voici une petite application online qui devrait nous sensibiliser au "street art" ! Depuis longtemps, je rêve de descendre dans la rue, une nuit de pleine lune, avec mes bombes aérosols de peinture dans mon sac à dos. Il me faudrait escalader à mains nues, murs et barrières, pour enfin atteindre des rails puissamment électrifiés. Après quelques heures de marche, arrivé dans la “nef” (le dépôt des trains), il me faudrait sortir l'ébauche préparée, plus tôt ce jour-là, sur un bout de papier froissé par cette opération commando. Après avoir allumé ma lampe torche et préparé mes "caps" vintage (j'ai commencé le graff en 1920), je n'ai que quelques heures pour créer mon chef d'oeuvre roulant - puisque c'est d'une rame de la ligne C, dont il s'agit. J'ai choisi de graffer façon old school mon blaze : "Mafounet" dont je tairai ici la vraie signification. Enfin, les doux aboiements des chiens, les clameurs viriles des policiers en rage me ramènent à la réalité ! Je pique un 100 mètres façon jeux olympiques pour échapper aux forces de l'odre ! Vraiment la SNCF n'aime pas les artistes ! Juste à ce moment-là, je me réveille. Bien sûr, ce n'est qu'un rêve, car à mon grand âge, vous savez… On préfère se coucher tôt et faire du design virtuellement, les pieds dans les charentaises. Au pire, je vais sur le site GRAFFITI CREATORoù grâce à une puissante application Flash, de gentils graffeurs partagent (un peu) de "leur truc" ! Un tout petit peu… On regrettera le peu de possibilité en terme d'exports. Mais, personne n'est parfait. On pourra, au final, passer quelques heures à bien "s'amuser" graphiquement ! Je vous invite à tester ce générateur plutôt que d'aller vous geler les miches dans un dépôt de la SNCF (à 4 heures du matin) ! Sympathiquement ludique !
Trop bien, c'est comme un film, comme de l'animation... Ou comme un livre ! Ou comme quelque chose de nouveau !
Nous l’attendions tous depuis un moment, nous l’appelions de nos vœux et enfin le voici … Le premier livre réellement interactif tirant parti des spécificités de... Disons… l'iPad(allez, c’est dit !). Écran, interactivé et multitouch... Enfin une apllication (un livre ? un film ?) qui s'adapte. Voici un livre pour enfant appelé « The Fantastic Flying Books of Mr. Morris Lessmore » qui se veut à la fois film d’animation et livre interactif. Cette application, vendue sur l’Apple Store pur la modique somme de 4,99 Dollars, est l’œuvre de studios Moonbot Studioset de l’illustrateur-animateur William Joyce. William Joyce est, d’après Newsweek, un des 100 talents à suivre en ce début de XXIe siècle ! Il a travaillé pour Pixar sur Toy Story et A Bug’s life. À noter qu’il est aussi l’un des auteurs-réalisateurs du sympathique « Robots ». Enfin, William Joyce a également travaillé pour DreamWorks et Walt Disney, c’est dire si le gars sait y faire. Ce livre nous invite à de l’interaction sans nous y forcer ! À nous de découvrir (ou non) ce que peut cacher chacune de ses « pages ». Mais c’est comme on veut… Bref, je viens juste de l’acheter. Je regarde tout ça et je reviens vers vous pour partager ce qui semble s’annoncer comme une première expérience d’interactivité digne du device. Pour vous faire une idée, voici le trailer officiel !
Le rock, le live et les affiches, un trio gagnant pour les graphistes que nous sommes !
L’histoire du rock est pavée de visuels qui ont mis en image nos émotions musicales. La langue des Rolling Stones, la pomme des Beatles, le mur en brique des Ramones (et leur étonnant détournement de l’aigle américain), l’esthétique paramilitaire des Clash… Etc. Autre caractéristique du rock, sa capacité à attirer les « archivistes » et autres collectionneurs. Plus que pour d’autres genres musicaux ou d’autres domaines artistiques, le rock attire les passionnés en quête de la « pièce », du « collector » ultime, de la version qui tue. Il est donc normal qu’aujourd’hui, la moindre « trace » soit conservée, archivée, vendue à des prix frolants l'indécence, montrée à l’occasion d’événements rares et exceptionnels (comme la rétrospective sur le rock and roll à la Fondation Cartier). Plus le temps passe, plus il est difficile d‘alimenter ces passionnés. Pour les autres (nous, quoi), les simples amateurs, il est également difficile d’avoir accès gratuitement à, par exemple, des affiches de concert d’époque. Pour être amateur de bon rock, on n’en reste pas moins graphiste et « nourrir » sa créativité en se faisant plaisir musicalement n’est pas antinomique. Voici donc le site d’un passionné qui a eu la bonne idée de partager avec nous sa passion. D’après sa présentation, son seul objectif est de faire grossir sa collection, en rentrant directement avec de potentiels vendeurs (à qui il promet d'acheter à bon prix) ! On a du mal à croire à l’angélisme de ce pauvre collectionneur, mais le fait est que l’on peut naviguer à travers une magnifique sélection plutôt sixties et psychédélique. Une section est réservée à des affiches rondes, sorte de signature visuelle du Kaleidoscope, un fameux club angelinos qui a vu défiler toutes les formations qui « comptaient » à l’époque (Love, Jefferson Airplane, Buffalo Springfields... etc.). Bien sûr, la partie « boxing style vintage » me parle beaucoup plus, authenticité oblige. Une mention spéciale pour celle qui illustre ce post. Au passage, on raconte qu'après le passage de l'ouragan Katrina sur la Nouvelle-Orléans, on aurait retrouvé Fats Domino, en vie, flottant sur des débris avec son piano. Mais c’est sans doute un gossip ! En tout cas, voici un bon moment en perspective pour tous mes amis rockeurs ! En bonus, le clip qui va bien…
Allez une petite citation du plus prolixe des modernes, j’ai cité Pablo himself ! Elle ne fait que confirmer que la culture trash (des Cramps à Bettie Page) et forcément, pour votre serviteur, un moteur créatif… En bonus, un petit clip de derrière les fagots, "Pablo Picasso" par les Modern Lovers du génial Jonathan Richman.
Quand Adobe ouvre son musée et fait la promotion de Flash !
Je ne suis pas un grand fan de Flash et de ses possibilités. Rappelons que Flash est un des logiciels « star » d’Adobe. Même si celui-ci peut créer du mouvement et de l’interaction, sa sur-utilisation peut donner le mal de mer. De plus, Flash ne permet pas un bon référencement dans Google, du coup les gros sites marchands et autres usines à gaz évitent ce qui, peu à peu, est devenu un quasi-langage de programmation. Pour préciser, il suffit de se reporter à Wikipedia : « ActionScript permet d'ajouter de l'interactivité aux animations Flash, en répondant aux actions de l'utilisateur, et en pilotant les movie clip (conteneurs graphiques permettant de hiérarchiser les animations), et les différents objets multimédias (images, son, vidéo…). Il permet également la communication de l'application avec le serveur, notamment par le chargement de fichiers ou la communication avec un langage serveur comme le PHP. ». L’arrivée progressive de l’incontournable HTML5semble remettre en cause la suprématie du soft dont bon nombre de graphistes « abusent ». La nécessaire installation d'un plugin ad hoc pour lire les animations est aussi une limite à laquelle on doit réfléchir lorsqu’on utilise ce type de technologie. Enfin, rappelons que ni l’iPad, ni l’iPhone ne sont pas« compatibles » Flash. Quoi qu'il en soit, cette application est devenue la référence quand on parle d’animation en ligne. Pour faire un peu de promotion, Adobe a eu la bonne idée d’ouvrir l’Adobe Museum Of Digital Media.AMDM comme son nom l’indique, est un musée (en ligne) qui a pour vocation d’exposer et de préserver le meilleur de la création digitale, le tout illustré par les commentaires de divers experts. L’idée est de mesurer l'impact des médias digitaux dans notre société. Cette interface (bien sûr, full Flash) propose des expositions, 365 jours par an, 24 heures sur 24. Actuellement on peut assister à une très jolie intervention du génial John Maeda et à une expo. intitulée « Valley » par Tony Oursler. À venir, « Tida Dome » de Mariko Mori. Une très belle initiative qui ravira tous les amateurs de belles images animées. N’oubliez pas de devenir membre pour des « features » inédits… À bookmarquer !
Petit coup de pouce pour une artiste de talent que nous aimons bien (et défendons) chez i-breed. A coup sûr, un futur grand nom de l’art contemporain (si, si, si)…
J’ai déjà parlé ici de Yuna Amand, une plasticienne basée en Bretagne avec laquelle j’ai déjà eu de plaisir de collaborer. Si vous passez par Lorient d’ici le 18 Janvier, je vous invite à venir découvrir in « situ » son travail dans les jardins de l’Hôtel Gabriel. D’après le site Web du Journal Le Télégramme : « La lumière était le thème imposé aux artistes plasticiens et le projet de Yuna Amand, intervenante à l'École supérieure des arts de Lorient, a été retenu. C'est en descendant les marches qui mènent au coeur du Réservoir, à la nuit tombée, que l'on prend toute la mesure de l'installation de l'artiste. Des ricochets de lumières, s'illuminant à la manière des ronds dans l'eau, permettent d'éclairer alternativement les piliers de béton, de cette ancienne réserve d'eau. Le spectateur découvre alors cette cathédrale faite de voûtes et de courbes, par l'intermédiaire du faisceau lumineux qui la parcourt. Yuna Amand présentera cette installation dans les jardins de l'Hôtel Gabriel, lors de l'inauguration de l'aile ouest et à la base des sous-marins. À chaque fois, les ricochets seront présentés différemment et s'adapteront au lieu. » Ca fait envie non ? Notons que Yuna présente en même temps Gone With The Wind, une œuvre cosignée avec Nathan Senot. Cette installation sonore et vidéo est visible dans l’aile Est de l’Hôtel (jusqu’au 18 aussi). Bon, je vous laisse, j’ai un TGV à réserver pour Lorient. Au plaisir de vous y voir !
